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VORVERKAUFSSTART!

<h2>«Spielt, spielt, sonst sind wir verloren»</h2>Pina Bausch, die berühmte Choreografin und Erneuerin des zeitgenössischen Tanzes, erzählte einmal, wie sie in Griechenland bei einigen Roma-Familien zu einem Fest eingeladen war. Später am Abend begannen die Menschen zu tanzen. Pina Bausch hatte Hemmungen mitzumachen und blieb sitzen. Sie hatte Sorge, die fremden Tänze nicht zu beherrschen. Da kam ein kleines Mädchen auf sie zu und sagte: «Dance, dance,&nbsp; otherwise we are lost.»&nbsp; «Tanz, tanz, sonst sind wir verloren!»Unser Spielplanmotto «Spielt, spielt, sonst sind wir verloren.» ist inspiriert von dieser Geschichte und dem Satz eines jungen Mädchens, der, so rätselhaft er ist, so viele Facetten hat.Spielen ist SeinIn gewissem Sinne lässt sich der Satz auf die soziale Situation der Künstler im Theater selbst anwenden. Sie müssen tanzen und spielen, um zu überleben, wirtschaftlich und weil es ihre Berufung ist, sonst sind sie verloren. Durch die Jahrhunderte hinweg waren die Bühnenkünstler als «fahrendes Volk» oft die Aussenseiter, die ein prekäres Leben am Rande der Gesellschaft führten. Und dennoch wurden sie regelmässig zum Mittelpunkt des Gesprächs gerade dieser sie ausgrenzenden Gesellschaft, wenn sie auf den Marktplätzen auftauchten und Unterhaltung, Inspiration und Perspektivwechsel ermöglichten. Mit dem fahrenden Volk ist durch die Epochen hindurch Unsicherheit und Armut verbunden, aber auch Freiheit, Mut und Erkenntnis.In mancher Hinsicht hat sich daran bis heute wenig verändert. Auch heute noch ist der finanzielle Status vieler Künstler:innen prekär, die Arbeitszeiten sind sozial wenig kompatibel, von der Altersvorsorge ganz zu schweigen. Im Grunde hat sich der Charakter des «fahrenden Volks» durch die Jahrhunderte hindurch erhalten.Auch in Shakespeares «Hamlet», dem berühmtesten Drama der Weltliteratur, kommen übrigens die fahrenden Schauspieler nach Helsingör. Hamlet ist ihr Bewunderer, er ist hingerissen von der Rezitationskunst der Schauspieler, die ihn zu Tränen rührt. Und er betätigt sich auch gleich als Bühnenautor und Regisseur. In der berühmten Rede von Hamlet an die Schauspieler weist er diese an, dem Publikum den Spiegel vorzuhalten: Realistisch, so sein Appell, sollen sie spielen, nicht übertrieben, um den grössten Eindruck auf das Publikum zu machen. Man soll, was man sieht, als wahr erachten. Und es funktioniert. Die Schauspieler werden schliesslich den Beweis für den Mord von Clau­dius an Hamlets Vater liefern.Spiel ist liveDas Motto kann aber auch den kreativen Aspekt der künstlerischen Arbeit meinen, den ständigen Schaffensprozess, das Proben und Üben, das notwendig ist, um sich zu verbessern, um auf der Höhe der Kunst zu bleiben, die Aufführungen zu perfektionieren. Ist das Spielen eine Notwendigkeit des menschlichen Ausdrucks und sprechen Künstler durch ihre Kunst zu uns, so braucht es dazu einerseits Energie und Kreativität, aber andererseits auch die Möglichkeit des Auftretens.Für den britischen Regisseur und Theatertheoretiker Peter Brook waren drei Dinge existentiell für alle darstellenden Künste: «Répétition, Représentation, Assistance», also Proben, Aufführungen und – ganz besonders – das Publikum, das zuschaut und Theater überhaupt erst ermöglicht. Die Interaktion zwischen dem Publikum, das live zuschaut, und den Künstlerinnen und Künstlern, die live spielen, ist der Schlüssel der Theaterkunst, sie findet nicht im Streaming statt.Aber wann kommt das Publikum zu den Aufführungen? Brook sagt, wenn es sich nicht um «tote Kunst» handelt, sondern um eine lebendige. Wenn das Publikum spürt, das es gemeint ist, wenn es spürt, dass die Vorstellung etwas mit ihm zu tun hat. Dass es also relevant ist, was auf die Bühne kommt – im Lachen wie im Weinen. Um das zu erreichen, müssen die Darsteller so präsent, so energetisch sein wie irgend möglich. Zwischen Langeweile und einem Erlebnis, das für immer im Gedächtnis der Zuschauer bleibt, ist es oft ein schmaler Grad. Hier darf es keine Kompromisse geben: «Spielt, spielt, sonst sind wir verloren!»Spiel ist ErnstRelevanz auf der Bühne zu erleben und sich gemeint fühlen, hat auch damit zu tun, dass man die Konflikte und Nöte der Figuren wiedererkennt, dass man sich selbst in ihren Handlungen und Gefühlen gespiegelt sieht. Wenn zum Beispiel die Last des Alltags aus Arbeit und Verpflichtungen einen zu erdrücken scheint, wie es Amanda und ihre Kinder in Tennessee Williams’ «Glasmenagerie» erleben. Wenn man sprachlos und ohnmächtig die Ausbeutung der Natur erleben muss und an der Zurechnungsfähigkeit der Menschheit zweifelt, wie Macbeth in der fantastischen Aufführung des Schauspielhauses Bochum. Wenn man eine Partner:in im Leben braucht, um eine schwierige Zeit durchzustehen wie die junge Mutter in «Adern» (grossartig gespielt von Sarah Viktoria Frick). Oder wenn man als Frau darum kämpfen muss, eine gleichberechtigte und erfüllte Partnerschaft zu leben, wie es Effi Briest und Annie Ernaux erzählen.Sich frei spielenDie Figuren auf der Bühne werden also zu unseren Zeitgenossen, denen das Leben, so wie uns, grosse Fragen stellt: Wie entgehen wir der Klimakatastrophe? Wie reagieren wir auf Künstliche Intelligenz? Oder auch viel alltäglicher: Wie wichtig ist sozialer Zusammenhalt? Was bin ich bereit, dafür zu tun? Wie bereite ich meine Kinder auf ihr Leben vor? Fragen, die zu gross sind, um ihnen mit simplen Antworten zu begegnen. So wie es auch Hamlet erlebt, als seine Mutter den Mörder seines Vaters ehelicht, und er als junger Mensch vor einer ungewissen Zukunft in einem «faulen» Staate steht und sich in einer Welt wiederfindet, in der es keine Gerechtigkeit und keine Moral mehr zu geben scheint.Die Kunst, auch dies scheint uns das kleine Mädchen zu sagen, macht es möglich, sich diesen komplexen und existentiellen Fragen spielerisch zu nähern. «Spielt! Spielt! Sonst sind wir verloren!» mag auch heissen: «Vertrau deinen Fähigkeiten», mit Empathie und Kreativität ins Ungewisse zu treten. Damit es weitergeht, muss man manchmal einfach weitergehen, auch wenn die Richtung und das Ziel noch nicht klar sind. Oder wie Pina Bausch gesagt hat:«Die Realität ist viel grösser als wir begreifen können. Manchmal können wir etwas nur dadurch klären, dass wir uns dem stellen, was wir nicht wissen. [ … ] Die Fragen hören nicht auf, und die Suche hört nicht auf. Es liegt etwas Endloses darin, und das ist das Schöne daran.»Spiel ist kulturelles GedächtnisÜber die Bedeutung der Kunst in der Gesellschaft ist viel gesagt und viele Aspekte sind herausgearbeitet worden: So zum Beispiel das Tradieren des kulturellen Erbes, das in der Literatur, der Malerei, der Musik weiterlebt. Oder auch die Kritik, die Kunst aufzeigt an Bruchstellen in der Gesellschaft, am Erodieren von Zivilisation und Sprache, an den Einschränkungen von Menschenrechten und an der mangelnden Partizipation aller Menschen; an der Diskrepanz, die Kunst sichtbar macht zwischen der Utopie, also dem gesellschaftlichen Ideal, und der Realität, in der wir leben. Wo, wenn nicht in der Kunst, wird das in unserer Welt spürbar, sichtbar, fühlbar?Das erste Drama, das überliefert wurde, «Die Perser» von Aischylos, beschreibt den Sieg der Griechen gegen die Perser nach der Schlacht von Salamis. Es ist aber aus der Perspektive der Perser geschrieben. Man sieht nicht den Jubel der Griechen, sondern das Leid der Unterlegenen, der Schwachen, derer, die sich nicht mehr wehren können. Aischylos wollte ihnen eine Stimme geben, damit der Hochmut der Griechen angesichts des Siegs sie nicht vergessen lässt, dass sie Menschen und menschlich sind.Dieselbe Stimme hören wir in «Hamlet», wenn ein junger Student der Geisteswissenschaften sich weigert, sich für den Tod seines Vaters zu rächen und sinnloses Blut zu vergiessen. Sie behauptet die Utopie, die besagt, dass die Zukunft eine bessere sein kann. Dass wir alle gemeinsam sie besser gestalten können. Dass wir uns auf das Wertvolle besinnen und die Irrwege vermeiden können. Auch wenn die Erfahrung uns oft eines besseren belehrt, können wir uns doch die Utopie bewahren: «Spielt! Spielt! Sonst sind wir (alle) verloren!»Spiel ist WitzÜber alldem gilt es aber auch, die Heiterkeit nicht zu verlieren. Theater ist schliesslich nicht nur eine «moralische Anstalt», wie Friedrich Schiller es nannte, sondern auch ein Ort des Lachens und des Vergnügens. Das Theater hat das Heitere niemals verloren, es ist dazu da, die Zuschauerinnen und Zuschauer zu unterhalten und zu bezaubern. Es bedeutet lachen über und verzweifeln an der Welt zugleich. Friedrich Hölderlin hat diesen Aspekt vielleicht am treffendsten in Worte gefasst:«Immer spielt ihr und scherzt? ihr müsst! o Freunde!&nbsp; mir geht dies In die Seele, denn dies müssen Verzweifelte nur.»Wir laden Sie herzlich ein, sich auf das Spiel mit uns einzulassen und die Freude am Fragen, am Zweifeln und am Schönen mit uns zu teilen.&nbsp; Und wir freuen uns, Sie auch in der neuen Saison als unsere Besucherinnen und Besucher begrüssen zu dürfenThomas Spieckermann und Jan Sellke &nbsp;

«Spielt, spielt, sonst sind wir verloren» 

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Herr Marxer: Ein Stück Musikgeschichte in Liechtenstein feiert Geburtstag.&nbsp; 40 Jahre Big Band Liechtenstein. Wie hört sich das an?Benno Marxer: Tja, was soll ich sagen. Ich habe mich damals (1983) gefragt, wie lange das wohl gehen wird mit dieser Big Band. Es wurde mir auch zugetragen, dass in fünf Jahren eh alles wieder vorbei sei, dass das nie und nimmer funktionieren würde. Aber es ist anders gekommen. Ich habe die Big Band aufgebaut, immer sinnvoll und mit Mass, darum gibt es uns auch heute noch. Es ist weitergegangen und wir haben uns als Klangkörper laufend gesteigert.&nbsp;Herr Marxer, hätten Sie sich das damals gedacht, dass die Geschichte so lange geschrieben wird? Benno Marxer: Dass wir jetzt 40 Jahre alt werden, das hätte ich mir damals auch nicht gedacht. Und darüber freue ich mich natürlich auch riesig, eine super Sache.Gehen wir an den Anfang. Was war der Grund, dass Sie damals die LMS Big Band ins Leben gerufen haben, also die Big Band der Liechtensteinischen Musikschule?Benno Marxer: Da muss ich mit einer ganz alten Anekdote beginnen. Als kleiner Bub durfte ich einmal mit in den Zirkus. Und oberhalb von der Manege hat da eine Small Big Band gespielt. Damals kannte ich nur Volksmusik, klar, alpenländische Volksmusik. Da habe ich aber diesen Sound gehört, diese Rhythmen, das hat mich sowas von fasziniert. Ich durfte dann ein zweites Mal mit in den Zirkus, aber mich haben die Artisten und Tiere nicht interessiert, mich hat die Band interessiert. Damals habe ich mir gewünscht, auch einmal in solch einer Band zu spielen. Das hat sich bei mir im Hinterkopf eingebrannt, dieser Sound ist mir nicht mehr aus dem Kopf gegangen.&nbsp;Und nach vielen musikalischen Stationen in meinem Werdegang ist es dann zur Big Band Liechtenstein gekommen. Und auch da wieder der Zufall, denn bei meinem Vorspiel bei der Liechtensteinischen Musikschule für eine Anstellung als Musiklehrer, das ich mit einem Posaunenquartett mit Rhythmusgruppe und mit Jazznummern gemacht habe, war ein gewisser Kelly Park aus den USA auch vor Ort. Er war für Blue Lake, ein Kulturaustauschprogramm von den USA mit Europa, unterwegs mit dem Auftrag, eine Big Band zusammenzustellen. Nachdem er das Posaunenquartett gehört hatte, gratulierte er mir zum Konzert und meinte, die Posaunen für seine Big Band hätte er nun. Das war irgendwie für mich die Initialzündung für die Gründung einer Big Band.&nbsp;War es eigentlich schwierig, Musiker für eine Big Band zu gewinnen? Oder haben Sie einfach Schüler der Musikschule verpflichtet …Benno Marxer: Ich hatte wie schon erwähnt den Posaunensatz und eine Rhythmusgruppe. Durch meine Tätigkeit als Lehrer für Posaune und Trompete habe ich gute Schüler dafür begeistern können, und da ich viele Musiker im Land kannte, darunter auch Saxophonisten, ist es nicht lange gegangen, und die Big Band hatte ihre erste Besetzung. Im Oktober 1983 war im Dachraum der Musikschule in Vaduz dann die erste Bandprobe. Am Anfang waren wirklich viele Schüler der Musikschule dabei, deshalb auch der ursprüngliche Name LMS Big Band.&nbsp;Wir haben in dieser Zeit rund 60 verschiedene Musiker gehabt. Nicht weil es ihnen nicht gefallen hätte! Bei einer Amateurband stehen dann aber berufliche Werdegänge oder Auslandaufenthalte im Weg.Ich kann mich an die ersten Konzerte erinnern. Ihr hattet von Anfang an viele Fans, oder sagen wir Freunde, wie es damals noch hiess …Benno Marxer: Eine gute Feststellung. Wir hatten unser erstes Konzert in Eschen im ausverkauften Gemeindesaal. Warum wir einen vollen Saal hatten, weiss ich nicht, sicher sind viele Freunde von uns dabei gewesen. Aber es sind viele auch aus Wunder gekommen – was da der Benno für eine Band hat, was passiert jetzt da, ist das was. Und viele Freunde sind uns in all den Jahren und bis heute treu geblieben, das ist schön.Herr Kranz, sind Sie Präsident des Vereins der Big Band Liechtenstein. Sie spielen ja nicht überhörbar die Trompete. Wann und wie sind Sie dazugestossen?&nbsp;Jürgen Kranz: Ich bin früh dazugestossen. Ich war mit 16 Jahren in der Nachwuchs-Big Band, wollte aber immer schon in die «grosse Band», seit ich sie mit 14 Jahren erstmals gehört habe. Das ist dann mit jungen 17 Jahre so weit gewesen, dass ich in der LMS Big Band spielen durfte und nun bin ich seit 33 Jahren dabei.Mit den Jahren kam der Namenswechsel. Was waren da die Beweggründe?Benno Marxer: Ein Grund war sicher, dass wir, wenn wir Geld zum Beispiel für Noten benötigt haben, bei potenziellen Sponsoren eine Abfuhr bekamen. Wir sollen doch als LMS Big Band auf die Musikschule zugehen, da hatten wir aber leider wenig Gehör. Das war ein Auslöser für die Namensänderung. &nbsp;Jürgen Kranz: Aber auch der Name LMS war verwirrend für viele, denn die Leute dachten, da kommt eine Schüler-Big Band der Musikschule. Das war ein weiterer Grund für die Namensänderung.Benno Marxer: Zuerst mussten wir auch noch abklären, ob wir uns Big Band Liechtenstein nennen dürfen, also Liechtenstein im Namen haben. In Balzers haben wir dann ein Konzert mit dem unvergesslichen Bill Ramsey organisiert – im ersten Set sind wir als LMS Big Band aufgetreten und nach der Pause sind wir mit neuer Uniform als Big Band Liechtenstein auf die Bühne gekommen. Und in dieser Zeit wurde dann auch der Verein gegründet.Springen wir weiter in der Geschichte. Ihr habt mehrere LPs und CDs produziert. Waren das auch Meilensteine in der Band-Geschichte?Benno Marxer: Auf jeden Fall. 1987 waren wir das erste Mal im Studio, und diese Platte ist heute noch gut, da bin ich schon ein wenig stolz darauf.Oft war mit einer neuen Produktion ein Konzert verbunden, und das meist mit einem Gastmusiker. Gibt es da besondere Erinnerungen und/oder Erlebnisse?Benno Marxer: Da komme ich wieder auf unsere erste Langspielplatte zurück. Eigentlich wollten wir mit dem Trompeter Lenart Axelsson einen Band-Workshop machen, aber das ging sich damals nicht aus. Er stiess dann aber im Studio zu uns. Wir hatten schon ein paar Tage aufgenommen, die Musiker waren müde. Da fragte ich ihn, ob er uns helfen und unterstützen könnte. Er meinte nur, dann gehe er mal ins Auto und hole seine Jazzkanone. Und er ist auf dieser ersten Platte zu hören. Die erste hat damals übrigens Fürst Franz Josef ll. bekommen …Waren diese Gastmusiker wichtig für das Weiterkommen der Big Band Liechtenstein?Benno Marxer: Unbedingt. Wir hatten immer wieder Workshops mit Jazzstars aus der ganzen Welt. Einer der ersten war der Posaunist Phil Wilson. Stefan Schlegel, ein ehemaliger Schüler von mir, war für sein Musikstudium in Boston bei ihm. Da eine Europatour mit ihm geplant war, ging sich das gut aus. Das haben wir alles telefonisch fixiert, Mail oder Internet gab es zu der Zeit noch nicht. Zwar wurde die Tour abgesagt, aber besagter Phil Wilson ist dann trotzdem für unseren Workshop nach Liechtenstein gekommen.Jürgen Kranz: Mit den Gastmusikern wollen wir musikalisch weiterkommen, von den grossen Jazzern lernen. Und im Idealfall natürlich auch ein oder mehrere Konzerte mit ihnen spielen. Wir haben zwar immer wieder die Konzerte aufgenommen, aber nur für uns als Hörbeispiel, damit wir hörten, woran wir noch arbeiten müssen. Erst für die letzte Doppel-CD haben wir solche Aufnahmen mit Gastmusikern verwendet und Konzerte mit James Morrison, Willie Murillo,&nbsp;Olivia Chindamo, Alexia Gardner und&nbsp;Andrea&nbsp;Tofanelli sind nun darauf verewigt.&nbsp;Stichwort Tonträger: Dadurch ist die Big Band Liechtenstein auch in 10000 Meter Höhe zu hören. Wie kam es dazu und kriegt man da Rückmeldungen oder gar Einladungen zu einem Konzert?Jürgen Kranz: Während Corona bekam ich Swiss-Werbemails für billige Flüge, was ja dann in Wirklichkeit wegen Corona gar nicht möglich war. Ich habe geantwortet, dass Zürich wie der Heimatflughafen der Liechtensteiner sei und wir unsere &nbsp;Gastmusiker mit Swiss einfliegen liessen. Und vielleicht wäre es möglich, die Big Band Liechtenstein in den Flugzeugen zu hören. Nach einem halben Jahr kam dann eine positive Antwort, man könne sich vorstellen, ein oder zwei Stücke im Jazzkanal zu spielen. Die für diese Playlist verantwortliche Agentur würde sich melden. Die haben sich dann tatsächlich gemeldet und wir haben ihnen unsere CDs geschickt. Sie waren von unserem Sound derart begeistert, dass sie einen Big Band Liechtenstein Kanal mit 20 Titeln im Bordradio für alle SWISS Langstreckenflüge einrichteten, der dann acht Monate wortwörtlich On Air war.&nbsp;Benno Marxer: Ein interessantes Detail bei den Tonträgern ist auch, dass bis auf zwei Produktionen alles Konzertaufnahmen sind, live eingespielt. Ich erinnere mich an ein Konzert in der Aula im Gymnasium, da habe ich dem Publikum erklärt, dass das Konzert aufgenommen wird und daraus eine CD geplant ist. Unglaubliches Kopfschütteln bei den Musikern, aber es wurde eine CD! Wir sind mit so einer Spielfreude bei den Konzerten ausgestattet, dass wir gar nicht daran denken, dass es aufgenommen wird (grinst). So eine Platte sagt auch mehr aus über die Band als eine zusammengestückelte Studioaufnahme. Unsere Musik auf den Tonträgern ist so live und unverfälscht wie auf der Konzertbühne.Herr Kranz, was war für Sie ein Highlight in Ihrer Big Band Liechtenstein-Geschichte?Jürgen Kranz: Ein Highlight für mich ist unsere musikalische Entwicklung. Wir sind von einer Amateur Big Band zu einer semiprofessionellen Big Band geworden, die Literatur von Profi-Big Bands spielen kann. Heute spielen wir Stücke, an die wir uns vor zehn Jahren noch nicht gewagt hätten. Und was mich schon auch stolz macht ist die Tatsache, dass sich mittlerweile diverse Profimusiker oder Arrangeurebei uns melden und mit uns spielen bzw. arbeiten wollen.James Morrison sagte mir mal, dass wir uns selber als semiprofessionelle Big Band bezeichnen, er aber einige Profi-Big Bands kenne, welche nicht mit uns mithalten können. &nbsp;Letztes Jahr hatte ich die Möglichkeit, mit ihm neue Trompeten zu testen. Da habe ich ihm gesagt, dass die Big Band Liechtenstein 40 Jahre alt wird. Seine Reaktion: &nbsp;‹Wo spielen wir?› . Für ihn war es selbstverständlich, dass er bei diesem Jubiläum dabei sein wird. Er stand ja auch beim 30- und 35-jährigen Jubiläum mit uns auf der Bühne. Bemerkenswert ist auch, dass er für die 40-Jahre-Tour extra aus Australien zu uns fliegt.&nbsp;Als weiteres Highlight möchte ich auch noch den Film «35/70» erwähnen. Es ist ein geniales Zeitdokument über 35 Jahre Big Band Liechtenstein und 70 Jahre Benno Marxer.&nbsp;Was ist das faszinierende am Big Band Sound?Benno Marxer: Mit einer Big Band kann man alles spielen, egal was für ein Stück oder was für eine Stilrichtung. Ich komme auch auf James Morrison, der einmal gesagt hat, dass Big Band der Heavy Metal des Jazz ist&nbsp;(lacht). Du kannst als Big Band wirklich alles spielen.Und was fasziniert so an der Big Band Liechtenstein?Benno Marxer: Wir sind immer mit der Zeit gegangen und nicht am, sagen wir ‹Glenn Miller Sound› hängengeblieben. Wir spielen aktuelle Arrangements, die in die heutige Zeit passen. Das wird auch mit ein Grund sein, dass sich die Musiker bei uns melden und mit uns spielen wollen, denn wir sind zeitgenössisch im Big Band Jazz unterwegs.&nbsp;Benno Marxer – 40 Jahre Big Band Liechtenstein. Da hat sich sicher auch der Sound, das Repertoire verändert. Ich denke da auch an deinen Aufenthalt auf Kuba, wo du mit den Topstars des Salsa Cubano gearbeitet hast.Benno Marxer: Ja, Kuba war eine grossartige Sache. Für mein Sabbatical bei der Musikschule musste ich mir etwas überlegen und da mich die Latin-Musik schon immer interessiert hat, bin ich nach Kuba gegangen. Dort habe ich Latin Arrangement gelernt und als Posaunist mit den Grammy-gekrönten Los Van Van gespielt. Latin ist eine höchst interessant Sparte, vor allem rhythmisch. Das war eine neue Welt für mich und dann auch für die Big Band.Gibt es eine Musik, die die Big Band Liechtenstein nicht spielen würde? Oder ist alles arrangierbar …&nbsp;Benno Marxer: Eigentlich ist alles zu spielen. Wenn das entsprechende Arrangement da ist, welches Sinn macht.Jürgen Kranz: Arrangements werden in Schwierigkeitsgrade eingeteilt, von 1 für Anfänger-Bands bis zu 6 für professionelle Big Bands. Wir spielen mittlerweile zwischen Schwierigkeitsgrad 5 und 6. Da wir auch dank den sozialen Netzwerken vielerorts zu hören sind, werden Komponisten und Arrangeure auf uns aufmerksam und freuen sich, dass wir auch ihre Arrangements spielen. So auch im TAK, wo wir ein Stück von Grammy-Gewinner Steven Feifke &nbsp;oder Chris Walden spielen werden. In der Musikwelt ist die Big Band Liechtenstein keine Unbekannte mehr.Benno Marxer: Früher mussten wir noch zu Musikverlagen hinfahren, um Noten zu kriegen oder zu finden. Heute können wir direkt bei den Arrangeuren anklopfen und «bestellen».&nbsp;Wissen die Arrangeure nicht, dass ihr Amateure seid?Jürgen Kranz: Nein, das wissen sie nicht. Big Band Liechtenstein, das klingt für sie wie eine Staats-Big Band. Ich teile ihnen dann mit, dass wir keine Profi-Musiker, sondern eine Amateur-Big Band sind. Das Feedback der Arrangeure über unsere Musik ist durchwegs positiv. Wenn sie dann auf den YouTube Videos noch sehen, wer schon alles mit uns auf der Bühne stand, dann bekommen wir teils Arrangements, die im offiziellen Handel gar nicht vertrieben werden.&nbsp; So ist es übrigens auch bei Radiostationen. Die spielen unsere CDs auf Grund der Qualität unserer Musik. Allein bei Radio Swiss Jazz sind wir mehrmals in der Woche zu hören. Der britische Radio Sender «Coastal Sound Radio» spielt jeden Mittwochabend für zwei Stunden Big Band Musik aus USA, Südamerika, Kanada, Australien, Neuseeland, Japan und Europa. In praktisch jeder zweiten Sendung wird ein Stück von uns gespielt. Radio Jazz Copenhagen spielte im März 2023, eine volle Stunde am Stück, Musik von der Big Band Liechtenstein. Ein spezielles Gefühl, wenn direkt nach einer Big Band aus Mexiko oder USA die Big Band Liechtenstein gespielt wird.&nbsp;Ihr habt viele langjährige Bandmitglieder in euren Reihen. War nie ein Wechsel ins Profimusikerlager angedacht? Weil an der Qualität würde es sicher nicht scheitern …Benno Marxer: Das war und wäre unmöglich. Man sieht auch, dass praktisch kaum eine freie Big Band überlebt hat. Klar, es gibt noch die eine oder andere Big Band von Radio- oder Fernsehsendern, aber auch die sogenannten staatlichen Big Bands lösen sich immer mehr auf. Mit Big Band-Musik zu überleben, das ist schwierig, es ist nur ein kleiner Teil der Menschen, die diesen Sound hören. Wenn man Geld verdienen will, muss man Klassik, Volksmusik oder Rock machen.&nbsp;Jürgen Kranz: Zudem haben wir Bandmitglieder alle Jobs und Familien. Das alles aufzugeben und als Profimusiker in der Welt herumtingeln, ist kein leichtes Leben. Für Big Bands mit 17 Musikern ist es um ein Vielfaches schwieriger und aufwändiger, eine Spielstätte zu finden, bzw. ein Konzert zu organisieren, als zum Beispiel für ein Trio oder Quartett. Meist muss man dann auch das spielen, was das Publikum hören will. Ansonsten bleiben die Konzertanfragen bzw. die Fans aus.Benno Marxer: Stimmt genau. Wir sind Amateurmusiker, wir wollen ja Spass haben und darum haben wir den Luxus, nur das zu spielen, was uns selbst gefällt. Wir haben nie für das Publikum ein Programm gespielt. Und wenn wir spielen, haben wir ja ein Publikum, und ein begeistertes sogar. Also ist unsere Wahl nicht so schlecht (grinst).Wie ist die BBL heute aufgestellt, habt ihr immer genug Musiker oder gibt es Nachwuchsprobleme?&nbsp;Benno Marxer: Ehrlich gesagt, das wird wirklich immer schwieriger. Wenn jemand ausfällt, finden kaum mehr jemanden im Land. Unser Niveau ist einfach sehr hoch, da müssen wir ins benachbarte Ausland auf die Suche. Auch aktuell ist es so, dass uns ein Posaunist fehlt. Nun spiele ich halt bei den Posaunen mit und wir spielen ohne Dirigenten. Und das geht auch gut.Jürgen Kranz: Bei den Proben ist es dann so, dass eines der Bandmitglieder die Leitung übernimmt, das funktioniert sehr gut. Zur Besetzung kann ich auch noch sagen, dass wir sehr wenige Wechsel haben. Vor zwei Jahren ist unser Gitarrist dazugestossen und die Wechsel davor sind schon über sechs Jahre her. Mehrheitlich sind wir alle 15 bis über 30 Jahre dabei, wir haben also eine kleine Fluktuation.&nbsp;Jetzt folgt vermutlich ein weiterer Höhepunkt, das Jubiläumskonzert im TAK. Was dürfen die Besucher erwarten – bringt ihr wieder einen Gastmusiker mit?Jürgen Kranz: Zum 40. Geburtstag gibt es einige Neuerungen, aber mehr wollen wir noch nicht verraten. Als Gastmusiker freuen wir uns bereits zum sechsten Mal auf James Morrison. Und als weiteren Gast dürfen wir Kelly Park begrüssen, der Mann, der Bennos Musikschüler vor 39 Jahren gehört und Benno motiviert hat, eine eigene Big Band zu gründen. Kelly bringt Noten mit und es wird zu einer Uraufführung im TAK kommen. Bei dieser Gelegenheit möchte ich mich im Namen der Big Band Liechtenstein beim TAK bedanken. Das TAK-Team hat uns all die Jahre immer willkommen geheissen und eine Bühne geboten. Wir haben ein Stammpublikum hier und hier zu spielen macht einfach Spass.Herr Marxer, Sie haben zum Schluss unseres Gesprächs noch einen Wunsch für die Big Band Liechtenstein frei, verbunden mit der Hoffnung auf Erfüllung.&nbsp;Benno Marxer: Ich hoffe, dass die Big Band Liechtenstein weiterbesteht. Aber da bin ich mir sicher und wir werden unser Niveau weiter steigern. Dann wünsche ich mir wieder mal eine Tour, gerne in den Süden …Weitere Informationen auf&nbsp;<a href="http://www.bigbandliechtenstein.li">www.bigbandliechtenstein.li</a>.&nbsp;Interview: Elmar Gangl

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40 Jahre Big Band Liechtenstein | Interview

Das Schweizer Theatertreffen findet in diesem Jahr vom 31.05.-04.06.23 in Fribourg statt.&nbsp;Dantons Tod / Der Auftrag Georg Büchner / Heiner Müller Fassung von Thomas Spieckermann Regie Oliver Vorwerk Ausstattung Alexander Grüner Musik Karin Ospelt Licht Peter Mentzel Mit: Andy Konrad, Volker Metzger, Karin Ospelt, Karin Pfammatter, Oliver Reinhard, Sylvana Schneider, Nicole SpiekermannWeitere Informationen: <a href="https://rencontre-theatre-suisse.ch/">https://rencontre-theatre-suisse.ch/</a> Foto: Ilja Mess

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Shortlist Schweizer Theatertreffen: Dantons Tod / Der Auftrag

«Warum kommt die Zukunft in 
unsrer Sprache nur einzeln vor?»

Das TAK will bis 2050 klimaneutral sein, was bedeutet das? Thomas Spieckermann: Der Klimawandel ist eine globale und gesamtgesellschaftliche Aufgabe. Auch die Regierung Liechtensteins hat sich in ihrer Klimavision das Ziel gesetzt, Netto-Null-Emissionen im Jahr 2050 zu erreichen. Wir als Theater sind der Überzeugung, dass wir dieses Ziel nur erreichen können, wenn wir alle gemeinsam dafür einstehen. Wir sehen es daher als unsere Aufgabe an, alles uns Mögliche zu unternehmen, um unsere Treibhausgas-Emissionen so schnell und so effektiv wie möglich zu senken. Dazu haben wir in der vergangenen Spielzeit eine erste CO2-Bilanz unseres Theaters erstellt und anhand dieser Bilanz Bereiche definiert, in denen hohe Ausstösse von Treibhausgasen anfallen.Jan Sellke: Nun sind wir dabei, erste Massnahmen umzusetzen, um unsere Bilanz zu senken und uns nach Kräften auf den Weg zur Klimaneutralität zu begeben. Nadja Fässler-Keller, Leiterin des Bereichs Nachhaltigkeit an der ZHdK Zürich, haben wir dafür als Beraterin gewinnen können. Intern haben wir eine Arbeitsgruppe gebildet, in der Mitarbeiter:innen aus allen Abteilungen vertreten sind.Was sind kurzgesagt die Ergebnisse der ersten Klimabilanz für das TAK? Spieckermann: Wir haben die Bereiche Wärme, Strom und Fuhrpark sowie die Mobilität von Mitarbeitenden, dem Publikum und den gastierenden Theatern und Künstler:innen anhand des Greenhouse Gas Protocols evaluiert. Die Ergebnisse waren auch für uns zum Teil überraschend.Strom ist sicher sehr wichtig, da für die Beleuchtung viel gebraucht wird, oder? Spieckermann: Dank der Gemeinde Schaan nutzen wir schon seit längerem komplett «grünen» Strom. Die Photovoltaik-Anlagen, die die Gemeinde auf dem Dach des TAK installiert hat, tun ihr übriges zur Reduzierung des Strombedarfs. Ausserdem steht eine Umstellung auf LED-Beleuchtung im Raum. Aber insgesamt ist der Strom von geringerer Bedeutung als zum Beispiel die Mobilität. Der mit Abstand grösste Bereich bei uns sind die Reisen der gastierenden Künstler:innen.Das ist einleuchtend. Aber wie kann das TAK ein internationales Programm anbieten, ohne dass Künstler:innen fliegen müssen? Sellke: Ganz entfallen werden Flugreisen nicht, aber wir können sie stark reduzieren, indem wir für die Künstler:innen bessere Reisewege erarbeiten. Wir wirken daraufhin, zusammen mit den Künstlermanagern nähere Anschlusstermine zu finden, die mit öffentlichen Verkehrsmitten erreicht werden können. Hierfür gehen wir aktiv auf andere Veranstalter in unserem Netzwerk zu.Spieckermann: Wir haben Richtlinien entworfen, die wir mit den bei uns gastierenden Theatern diskutieren. Auch hier empfehlen wir den Verzicht auf Flugreisen und empfehlen Anreisen mit dem ÖV. Wir stellen dabei fest, dass viele Theater derzeit gleichzeitig mit uns in die gleiche Richtung gehen. Ich bin zuversichtlich, dass das in wenigen Jahren zu einer Selbstverständlichkeit im gesamten Theaterbereich werden wird.Das klingt gut. Aber welche Rolle spielt das Publikum in diesem Zusammenhang? Sellke: Derzeit ist es so, dass die meisten Menschen mit dem Auto zu uns kommen. Doch es gibt auch einen wachsenden Teil des Publikums, der das Fahrrad oder unsere Zusammenarbeit mit der LIEmobil nutzt. Spieckermann: Und da sind wir gefordert, dieses Angebot bei unseren Zuschauerinnen und Zuschauern bekannter und beliebter zu machen, denn das Land ist prinzipiell mit dem ÖV gut erschlossen. Vielleicht entwickelt sich das Angebot des ÖV in den kommenden Jahren ja auch noch weiter – Stichwort: S-Bahn. Sellke: Und da sind wir gefordert, gemeinsam nach weiteren Angeboten zu suchen. Zum Beispiel durch das Bilden von Fahrgemeinschaften. Wir planen, in der neuen Spielzeit unser Publikum hierzu zu befragen und einzubeziehen. Ein anderes Beispiel stellen tägliche Verbrauchsmaterialien dar. Jean-Pierre Sorichilli, unser Kaufmännischer Leiter, hat beispielsweise bei uns im Haus neue IT-Software eingeführt, die in der Buchhaltung und Verwaltung den Papierverbrauch extrem reduziert. Spieckermann: Wir können uns aber auch in anderen Bereichen noch weiter verbessern. Zum Beispiel richten wir uns in der Gastronomie noch regionaler und nachhaltiger aus. Unser Künstlercatering haben wir bereits auf regionale vegetarische Küche umgestellt, was von den Künstler:innen sehr begrüsst wird. Wir sehen die Reduktion der Treibhausgasemission als einen kontinuierlichen Prozess an, der neues Denken in vielen Bereichen erfordert. Dieser Herausforderung wollen wir uns gerne heute und in Zukunft stellen.

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TAK Klimabilanz

Von Marie Ruback Foto: <a href="https://tatjanaschnalzger.com/">Tatjana Schnalzger</a>Zwischen den Endproben zur zweiten Premiere der Saison <a href="https://www.tak.li/veranstaltungen/und-sicher-ist-mit-mir-die-welt-verschwunden/467">«Und sicher ist mit mir die Welt verschwunden»</a> im Oktober 2021 treffe ich Oliver Vorwerk in der Techniker-Lounge. Als Oberspielleiter bringt er am TAK inzwischen seine 7. Premiere zur Aufführung. Um welche Themen es ihm in Zusammenarbeit mit Intendant Thomas Spieckermann, Dramaturg Jan Sellke und dem TAK-Ensemble geht, welche Möglichkeiten er darin sieht und welche Klippen es zu umschiffen gilt, das erzählt er im Interview.

In 2015 hast Du zum ersten Mal am TAK inszeniert. Welche Erinnerungen verbindest Du mit der Arbeit an «Gilgamesch» damals? Da ich Liechtenstein überhaupt nicht kannte, war es ein bisschen abenteuerlich, sehr neu, sehr fremd. Dieses kleine Theater mochte ich von Beginn an sehr, ich dachte: Sie zeigen sehr grosse Gastspiele, aber vielleicht kann man hier auch gut eigene Sachen machen. Natürlich war ich sehr beschäftigt mit dem unglaublichen tollen Text und hatte die Gelegenheit, mit dem Intendanten gemeinsam das Ensemble dazu zu finden. Diese Möglichkeit hat man selten am Stadt- oder Staatstheater, da arbeitet man mit den dort engagierten Schauspielern.«Gilgamesch» sollte ursprünglich eine Szenische Lesung werden, aber die beiden Spielerinnen waren so angetan vom Text, dass sie ihn auswendig lernten und wir ein Spiel entwickelten. Später wurden wir mit der Inszenierung nach Berlin eingeladen und haben im Ägyptischen Museum bei der Büste der Nofretete gespielt. Wegen des Publikumsverkehrs haben wir abends geprobt, und als ich nachts durch dieses Museum gelaufen bin, war das ein sehr einzigartiges Erlebnis.Auch wenn Berlin so viel Kultur jeden Abend zu bieten hat, war unsere einzige Vorstellung dort ausverkauft mit einer langen Warteliste, ich war ganz perplex! Ein besonderes Publikum war das an diesem Abend.Seit wann arbeitest Du mit Thomas Spieckermann zusammen, wo haben sich Eure theatralen Wege gekreuzt? Ich kenne Thomas aus Würzburg. Er war grad mit dem Studium fertig, ich war ganz junger Regisseur am Mainfranken Theater. Gemeinsam haben wir eine längere Zeit in Nordhausen, eine Weile in Cottbus und dann am Theater Konstanz zusammengearbeitet, dort war ich insgesamt 10 Jahre.Deine zweite Arbeit am TAK war das Familiendrama «In einem finsteren Haus», ein schwer verdaulicher Stoff…wie kam es dazu? Thomas kennt den Autor, Neil LaBute, der als Drehbuchautor und Regisseur viel für Hollywood arbeitet, seine Leidenschaft ist aber das Theater. Seine Stücke sind unaufwendig und haben immer einen spannenden psychologischen Zugang zu Figuren und Themen, psychologisches Kammerspiel par excellence! Wir haben dann Schauspieler für das Stück gesucht und so habe ich zum ersten Mal mit Christiani Wetter zusammengearbeitet. Philip Heimke und Nikolaus Schmid haben die beiden ungleichen Brüder gespielt.Ein tolles Erlebnis, was ja auch zeigt, dass das TAK neben den Eigenproduktionen und den grossen, auch internationalen Gastspielen, die es hier in Schaan zeigt, auch ins Aussen wirkt und Kultur «made in Liechtenstein» in die Welt bringt. Seit eineinhalb Jahren bist Du nun Oberspielleiter am TAK, was bedeutet das? Genau! Neben meinem Schaffen als Regisseur, bin ich Oberspielleiter am TAK. Das heisst für mich, dass ich mich über die Probenarbeit hinaus um das Ensemble kümmere. Mit ihren täglichen Sorgen, mit ihren künstlerischen Fragen. Auch mit Wegweisern für die theatrale Zusammenarbeit: Was gibt es für Themen, die relevant sind, welche Stücke sind aktuelle oder spannend oder beides. All diese Dinge sind in einem Austausch möglich, der über einen längeren Zeitraum hin stattfinden darf, weil man nicht nur für die Dauer einer einzelnen Produktion zusammen ist. Wir arbeiten ja alle als Menschen zusammen, wir können so gemeinsam Erfahrungen machen, im besten Fall miteinander wachsen.Ein wichtiger Punkt ist zum Beispiel, dass man eine gemeinsame Sprache findet. Wie alle Berufe haben wir eine spezielle Theater-Fachsprache. Dazu ist es extrem schwer, Gefühle in Sprache zu fassen. Mir hilft manchmal zum Beispiel eher eine Farbbeschreibung als ein Wort. Wenn man länger zusammenarbeitet – wie ich nun zum Beispiel mit Julian (Härtner, Anm. d. Red.) – dann bedarf es immer weniger die Umschreibung eines Gefühls, sondern wir können uns sehr konkret und direkt austauschen. Dieses Zusammenwachsen ist ein wichtiger Baustein für eine intensive Arbeit an einem Stück und seinen Figuren.Dieses «kleine TAK» bietet unglaublich viele Möglichkeiten für eine gute Theaterarbeit: Wir können uns sehr auf die Arbeit konzentrieren, können in meiner Wahrnehmung bis zur Premiere in einem wirklichen kreativen Schutzraum angstfrei agieren, was im Theater keine Selbstverständlichkeit ist, da möchte ich Stichworte wie Konkurrenz oder Zeitdruck nennen. Auch sehe ich im TAK flache Hierarchien, die sich auf den Theaterprozess unglaublich positiv auswirken.Mein Traum ist es immer, ein kleines Schatzkästchen zu bauen hier in Liechtenstein. Dass die Menschen in der Region wissen: Hier können sie herkommen und spannende Theatererlebnisse haben. Ich empfinde uns ausserhalb der Konkurrenz mit anderen Häusern, im Gegenteil: Wenn wir hier die Gastspiele sehen, dass ist das für mich eine grosse Bereicherung. Es sind natürlich immer sehr genau ausgewählte und sehr spannende Inszenierungen, die ins TAK eingeladen werden.

Das TAK als Schatzkästchen

Die Haltung macht den Menschen aus, nicht das Geschlecht.

Die Bandbreite der Theatertexte, die Du inzwischen am TAK inszeniert hast, ist gross: Es gab einen modernen Politthriller («Tage des Verrats», Beau Willimon), einen Roman des Existenzialismus («Der Fremde», Albert Camus), klassische und ganz aktuelle Theatertexte (Arthur Miller, Sibylle Berg) und einen historischen Politthriller (Shakespeare). Immer steht dabei der Mensch im Zentrum Deiner Inszenierungen. Es folgt nun die vierte Eigenproduktion in dieser Saison noch mal ein Stück von William Shakespeare, nämlich «Richard III.». Im Gegensatz zur Eröffnungspremiere, die ausschliesslich von Männern gespielt wurde, habt Ihr nun alle Rollen mit Frauen besetzt. Was steckt dahinter? Wir machen uns zuallererst Gedanken darüber, was ist jetzt gerade relevant, was sind die aktuellen Fragen der Gesellschaft. Ich finde, Theater muss immer einen Bezug haben zu unserem Leben heute. Diesen sehe ich auch bei alten Texten, die können sehr aktuell sein! Aber sie müssen etwas mit uns zu tun haben. ---Die Frage, die sich permanent in Europa aufdrängt, ist die Rolle der Frau. Wie man das unterscheidet, aber unbedingt gleichberechtigt. Man geht oft davon aus: Man macht ein Stück und etabliert das Genderthema. Ich persönlich finde das ein bisschen langweilig, dass ein Thema einen Text so überfrachtet, dass die anderen Facetten nicht zum Zuge kommen. Wir hatten wir die Idee, dass wir die Frage nach der Rolle der Frau weniger vordergründig, sondern über die gesamte Spielzeit hinweg erzählen, also über drei Stücke.Mit geht es darum zu sagen: Ich denke bei meiner Arbeit gar nicht über das Geschlecht meines Gegenüber nach, ich nehme das so an. Ich musste allerdings auch erfahren, dass meine Haltung durchaus festgefahren ist. Gerade jetzt in der Arbeit in dieser Spielzeit muss ich mein eigenes Frauenbild immer wieder in Frage stellen und korrigieren. Ich dachte, ich mach das alles richtig. Aber ich muss erkennen, dass es eine Not zur Veränderung gibt. Wir müssen etwas verändernd.Aber ich bin auf der anderen Seite auch Künstler und sage, ich würde dieses Thema gerne bearbeiten. Mich interessiert die Überlegung, dass Frauen und Männer, dass alle erstmal Menschen sind. Sind sie so fehlerhaft, so gut, so schlecht, und so gross und so klein, wie sie eben sind. Und die Haltung macht den Menschen aus, nicht das Geschlecht.In Julius Cäsar, einem typisches Männer-Polit-Stück, steht eine Frage der sogenannten „«alter weisser Mann-Riege» im Zentrum. Es treffen zwei Weltmodelle aufeinander, mit der sich die Welt schon ewig und immer wieder beschäftig: Gibt es eine Form der Demokratie, die uns weiterbringt oder brauchen wir Führer und Hierarchie? In «Julius Cäsar» habe ich natürlich doch eine Frau dabei. Sie übernimmt den sinnlichen Part, spielt die Live-Musik und singt und unterstreicht die emotionalen Momente. Ein schöner Kommentar nach der Premiere war von einer jungen Zuschauerin: «Neben dieser ganzen Wut und der totalen Männerpower auf der Bühne ist es dieses zarte Wesen, auf dass die ganze Inszenierung hinausläuft. Dies ist für mich ein Hoffnungsschimmer, dass man es auch anders machen kann.»Dass man es anders machen muss, davon bin ich absolut überzeugt! Ich bin überzeugt davon, dass Frauen genauso entscheidungskräftig sind, im Guten wie im Bösen. Dass wir uns auf die Menschen verlassen sollten, und nicht auf deren Geschlecht. Das hat was mit Denken zu tun. Man muss jetzt nicht sagen: «Wir müssen jetzt sofort alles total ändern!». Wir müssen etwas ändern, aber wir müssen uns Zeit lassen, sollten uns nicht spalten lassen, sondern das miteinander tun. Das ist die andere Gefahr, die ich sehe, besonders in unserer Hauptstadt Berlin, dass es kein anderes Thema mehr gibt und dass dieses Thema immer so behandelt wird, dass es zur Spaltung führen muss.Und ich möchte letztlich auch fragen – denn ich bin ja auch Mann – was das mit den Männern macht. Die meisten, ich nenne sie jetzt mal «die guten Männern», lässt das ja nicht unbeeindruckt. Wir müssen uns ja permanent in Frage stellen. Das ist grundsätzlich natürlich gut. Und es regt den Denkprozess an, und sind Dinge erst einmal gedacht, lassen sie einen weniger los. Beim Gendern habe ich bei mir diese Dynamik entdeckt. Erst nach einer Weile kam ich auf den Zusammenhang zwischen Sprache und Denken in Bezug auf dieses Thema. Nachdem ich auch wissenschaftliche Abhandlungen dazu gesehen hatte, in denen Mädchen in der Schule gefragt werden, ob sie gerne Feuerwehrmann werden wollen und bei der Befragung nur die männliche Form verwendet wird, prozentual wesentlich weniger Mädchen dies bejaht haben, als wenn die Frage lautet: «Könntest Du Dir vorstellen, Feuerwehrfrau zu werden?»Dies allein ist schon der Beweis dafür, wie sehr die Sprache unser Denken und Vorstellungskraft beeinflusst. Und durch entsprechende Sprache eine Gleichheit geschaffen wird. Deshalb bin ich sehr dafür, auch wenn man findet, dass das Gendern die Sprache kaputt macht, dass wir uns alle etwas Mühe geben. Wir sollten das etablieren! Sprache ist ja lebendig, sie entwickelt sich ständig weiter. Dinge sterben aus, Dinge kommen hinzu. Dann gibt es mittlerweile sehr viele englische Begriffe in unserer Sprache, das passiert und dazu ist eine Bereitschaft notwendig. Zumal ich glaube, und das ist wissenschaftlich belegt, dass durch die vollzogene Gleichberechtigung von Mann und Frau es den Männern auch besser gehen wird. Da sie diesen Druck auch losbekommen: «Ich bin ein Mann, ich muss auf die Überholspur, ich muss immer gewinnen, ich darf keine Gefühle zeigen, ich muss stark sein.»Aber das stimmt gar nicht. Ich kenne viele Beziehungen, da ist sie eigentlich die Macherin. Und er hat eher den musischen Anteil. Durch Gleichberechtigung haben alle die Chance, dass man sich entsprechend der Persönlichkeiten ergänzt, und nicht die vorgefertigten Rollen vorfindet und einnimmt. Das finde ich einen sehr konkreten Prozess, der da im Gange und der möglich ist. Das muss man nicht in irgendeine Ecke stellen.

Die Rolle der Frau

Wieder zurück zur Inszenierung «Richard III.»: Werden dort alle Spielerinnen wechselseitig die Figur des Richard übernehmen?Nein, die Inszenierung wird im Grunde eher konservativ sein in der Besetzung. Der Text als solcher ist maskulin, das muss man sagen. Es geht um Entscheidungen und Macht. Darum, macht an sich zu reissen, sie zu etablieren und für sich auszunutzen. Was mich interessiert, möchte ich wie im Labor untersuchen: Ist es plausibel machbar, dass Frauen genau so die Macht an sich reissen? Vorweg: Ich glaube schon! ---Auch wenn es vielleicht weniger sind. Man kann ja in DAX-Vorstände gucken. Ich will das moralisch nicht bewerten, gut oder schlecht. Geschäftlich sind sie mit Sicherheit gut, sie können sehr hart, sehr konkret sein.&nbsp;Auch seltsam finde ich: Wir haben in Deutschland nun 16 Jahre eine Bundeskanzlerin gehabt, die mit Sicherheit auch sehr hart sein kann. Aber komischer Weise war sie immer aussen vor. Ich habe oft das Gefühl gehabt, sie gilt nichts als Frau. Vielleicht ist das genau das Richtige, für das politische Wirken. Deshalb der «Richard»: Es geht darin extrem um Haltung, um Moral und darum, wie jemand zu dem wird, was er ist. Es geht um die Frage, welche Verletzung liegt der Entwicklung dieser Persönlichkeit zu Grunde. Und was macht man mit der Verletzung: Lässt man die heilen, oder nimmt man Rache an der ganzen Welt und stellt sich über Moral und Ethik. Und will Macht und herrschen.&nbsp;Gesamtgesellschaftlich geht das natürlich nicht, aber aus den Augen des Einzelnen betrachtet, als Mensch, kann eben ungeheure Wut entstehen aus solch einer Verletzung heraus. Und das kenne wir alle aus der Schule schon, wie es ist, ausgegrenzt zu werden. Dass ein Mensch dann solches Verhalten an den Tag legt, wird dann zumindest in den Ansätzen nachvollziehbar. Es gibt immer zwei Selen in der Brust. Ich glaube nicht, dass es das Böse und das Gute per se gibt. Viele Verhaltensweisen resultieren aus Angst, Schmerz oder Trauer. Das sind die weichen, guten Faktoren, die die Psychologie einer Figur, auch einer extremen wie dem Richard, für den Zuschauer greifbar und spannend machen. Für die theoretische Betrachtung kann man an die Uni gehen. Auf der Bühne bzw. am Theater kann ich den Menschen sehen in seiner Verletzbarkeit, in seiner Unsicherheit und dadurch vielleicht auch in seiner Stärke.Ein anderes Beispiel könnte zum Beispiel Karl Marx sein. Wenn man seine Theorien liest, könnte man sagen: Super Theorie, alles klar! Wenn man sein Leben anschaut, denkt man: Ein schweres Schicksal und mit Sicherheit ein Kampf. Er war ein toller Denker, aber hat Kollegen auch benutzt. Und es folgt die Frage, wer ist das eigentlich? Ein Pamphlet, oder ist es nicht auch einfach ein Mensch? Das interessiert mich am Theater: Ich will Voyeur sein, will zugucken und verstehen, wie so etwas zustande kommt.

Haltung, Macht und Moral

Ganz einfach: Wenn es auf der Bühne tragisch endet, sollte es den Effekt haben, dass das Publikum sagt: «So soll es bei uns nicht enden. Und damit es so nicht endet, müssen wir etwas tun.»

Was möchtest Du dann dem Publikum mitgeben? Ich bin mir bewusst, dass ich als Regisseur auch sehr harte Dinge zeige, dass das Publikum erschrickt und die Frage aufkommt, ob man solch Härte oder Brutalität auf der Bühne zeigen muss. Ich finde, ja man muss es zeigen bzw. sehen. Nicht weil die Welt so unglaublich brutal und schlecht ist – das ist sie auch. Aber alle Leute, die das sehen, und nur ein oder zwei, die nach dem Applaus rausgehen und sagen: «So weit darf es nicht kommen. Also ziehen wir die Bremse. Reden wir miteinander, versuchen wir, Wege zu finden.» ---Die beste Definition von Drama ist für mich: «Es ist zwangsläufig». Wenn Ferdinand seiner Luise die vergiftete Limonade gibt (In Schillers «Kabale und Liebe», Anm. d. Red.), ist letztendlich die ganze Gesellschaft daran schuld, der Miller, der Präsident, die Interessen verschiedenster Parteien, die Intrigen. Und dann muss das Sterben sehr tragisch sein, damit wir im Jetzt sagen: Wir müssen es im Vorfeld klären, wo wir noch Zugriffsmöglichkeiten haben.Ganz einfach: Wenn es auf der Bühne tragisch endet, sollte es den Effekt haben, dass das Publikum sagt: «So soll es bei uns nicht enden. Und damit es so nicht endet, müssen wir etwas tun.» Ich glaube, dass allein das «Über etwas Nachdenken» schon ein Weg zur Öffnung ist. Probleme sind sicherlich schwer, aber sie anzugehen kann auch ein sehr selbstbewusst-machender und konstruktiver Prozess sein. Ich habe vor einer Weile zum ersten Mal meine Wohnung selbst gestrichen. Erst hatte ich das vor mir hergeschoben und habe keinen Anfang gefunden, aber danach habe ich jeden Abend vor der Wand gestanden und habe gestaunt! Ich habe sie nur weiss gemacht, aber ich bin es angegangen, mein Selbstbewusstsein was das Streichen betrifft, wuchs jeden Tag und ich hatte beim Tun sogar einen Lustgewinn. Wir alle haben oft Angst vor Problemen, weil das wie ein hoher Berg ist. Aber ich finde, das macht unser Leben aus, dass wir diesen Berg besteigen. Dass man in der Beschäftigung mit den Problemen für sich einen Gewinn herauszieht und, auch wenn sie nicht alle lösbar sind, lernt damit umzugehen.&nbsp;Denn die Probleme lassen sich nicht verschieben, sie warten nur ab und ploppen dann wieder auf. Das ist zwar ein etwas platter Satz, sehr umstritten, ich mag ihn dennoch anbringen: Theater könnte eine moralische Lehranstalt sein. Dort können wir uns als Gesellschaft ethische und moralische Fragen stellen und uns damit auseinandersetzen. Die Kirchen, die das früher machten, nehmen diese Aufgabe kaum noch wahr. Das sehe ich als einen extremen Werteverlust. Die meisten Leute machen sich das glaube ich gar nicht bewusst, was da weggebrochen ist. Und einen Ersatz gibt es nicht, die Wertediskussion ist nicht mehr vorhanden. Die Welt dreht sich permanent weiter, unaufhaltsam. Das ist immer schwer zu akzeptieren. An einem Punkt kommt man in ein Alter, wo man das erkennt. Früher war man bei den Jüngsten dabei, das ist dann vorbei. Das ist per se eine Kränkung: Huch, jetzt bin ich bereit für die Ernte, aber da ist die Welt schon weiter, die Jungen strömen an Dir vorbei. Mit dieser Verbitterung umzugehen, ist auch so ein Berg.An der Stelle kann Theater ansetzen: Theater ist für mich eine Interaktion. Vielen im Publikum ist das vielleicht nicht so klar, wie wichtig der Beitrag des Publikums zur Vorstellung am jeweiligen Abend ist, manchmal kann das über das gute Gelingen oder auch Misslingen eines Abends beitragen. In dieser Hinsicht darf in meinen Augen Theater auch anstrengend sein, fordernd und vielleicht sogar mal langweilig.&nbsp;

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